«Многие художники – пророки»: звезды российского digital-искусства в «БИЗОN'е»

Анна Резцова: «Мы предлагаем публике подумать о новых способах взаимодействия с окружающей средой, о взаимоотношениях человека и технологий, переосмыслить этические и эстетические категории, которые меняются в результате все большего слияния материального мира и цифровой реальности»

«Для меня это очень интересный и вдохновляющий опыт»

— Анна, галерея «БИЗОN» в последнее время стала одним из центров притяжения для поклонников современного искусства столицы Татарстана, представляя зрителю интеллектуальные и идейно цельные экспозиции. Какую задумку вы собираетесь реализовать в Казани?

— Мы собрали работы представителей самых актуальных направлений в искусстве — street art, science art, цифровой живописи и фотографии, 3D-скульптуры, видео-арта, векторной графики, генеративного искусства. Идея выставки заложена в ее названии — Digital Art Synergy (сокращенно D"ART'S). В условиях все увеличивающегося потока информации наше внимание скользит по информационному потоку, считывая самые яркие и визуально запоминающиеся образы, поэтому задача современного искусства и нашей выставки в частности — привлечь внимание зрителя и за короткий промежуток времени донести идеи, заложенные в концепции выставки так, чтобы они попали точно в цель, «зацепили» зрителя и заставили его размышлять.

Мы предлагаем публике подумать о новых способах взаимодействия с окружающей средой, о взаимоотношениях человека и технологий, переосмыслить этические и эстетические категории, которые меняются в результате все большего слияния материального мира и цифровой реальности.

— На выставке мы увидим работы 18 художников, дизайнеров, фотографов, скульпторов. Все авторы представляют в творчестве свою картину мира, обладают индивидуальным стилем. Что их объединяет, кроме интереса к цифровому искусству?

— Авторов объединяет современный контекст, который они воспринимают и перерабатывают. Искусство не может полностью дистанцироваться от событий в мире, например от того, как меняется экологическая обстановка на планете, от политических тенденций и идей, витающих в обществе. Художники существуют в едином поле, одновременно формируя его и черпая оттуда идеи. Также авторов объединяет то, что они работают на стыке сразу нескольких областей: философии, технологии и искусства. Создание концепции предполагает наличие знаний из области истории, истории искусства и философии, процесс создания работы требует технических навыков: чем большим количеством медиа владеет художник, тем необычнее его работы. Искусство всегда требовало от творца задействования всех внутренних ресурсов и навыков, а современное искусство — особенно.

«Авторов объединяет современный контекст, который они воспринимают и перерабатывают»

— Каким образом формировалась экспозиция?

— В ней участвуют авторы, за творчеством которых я долгое время следила, не думая о том, что когда-нибудь мне придется выступить в роли куратора и делать выставку. Но это случилось, и для меня подобное очень интересный и вдохновляющий опыт. Отбирая работы, я ориентировалась на собственный эстетический вкус и свое понимание современного искусства. Также стоит добавить, что многие работы выставлены на различных NFT-площадках, в том числе на первом российском NFT-маркетплейсе Digarty.com. Возраст, раскрученность и участие в выставках не имели значения. Есть работы именитых и зрелых художников, таких как Константин и Марина Худяковы, Андрей Верещагин, Константин Марков. Есть молодой, но уже известный представитель петербургской ветви Science Art Алекс Петунин, его работы выставлялись в Сингапуре и Дубае, есть авторы, пришедшие в искусство из фешен-фотографии и графического дизайна, такие как Евгений Военский и Алексей Неретин. Не буду перечислять всех, лучше прийти в галерею и увидеть все своими глазами. Скажу, что каждый художник, чьи работы вошли в экспозицию, имеет свой уникальный стиль и язык. Мне хотелось собрать представителей большинства направлений в современном искусстве.

— На выставку приедут произведения искусства из Москвы, Санкт-Петербурга, Саратова. Казанские мастера тоже представят свои работы?

— В экспозицию вошли видеоинсталляции Алисы Гулканян, молодой представительницы цифрового искусства Татарстана. Она обучалась в Британской высшей школе дизайна, и ее основным медиа является коллаж.

— Цифровое искусство сегодня — один из главных художественных трендов. Как с ним обстоят дела в столице РТ?

— Насколько мне известно, в Казани проходит международный фестиваль медиаискусства «НУР», где показывают свои работы западные художники, мастера из Москвы и Петербурга, а также местные авторы, в том числе Гулканян. Цифровое искусство в городе активно развивается, поэтому дротик летит точно в цель на подготовленную почву — думаю, выставка D"ART'S будет интересна и понятна публике.

«Отбирая работы, я ориентировалась на собственный эстетический вкус и свое понимание современного искусства»

«Искусство не математика, здесь не существует жестких границ»

— Вы уже отмечали, что цифровое искусство не только создает новые образы, но и переосмысливает существующие. Как это происходит?

— Как я уже говорила, явления и предметы из материального мира, переходя в цифровое пространство, обретают новые свойства. Их восприятие переворачивает наше сознание и представление об искусстве. В качестве примера можно привести серию Худякова «Световая природа женщины». Когда мы слышим словосочетание «женский образ в традиционном искусстве», в голове всплывают «Мона Лиза», Мадонны Рафаэля, «Венера перед зеркалом» Веласкеса. Константин Васильевич переводит этот сюжет на язык цифрового искусства с помощью разработанной им же уникальной технологии, и мы видим абсолютно новое, не совсем привычное для восприятия изображение. Технологии, без сомнения, диктуют новый эстетический язык. Это я имела в виду, когда говорила об переосмыслении.

Или еще пример: серия Военского Alien. Евгений снимает крошечные части растений с помощью макросъемки, которая позволяет увеличить изображение и воспроизвести все в мельчайших деталях. При особенных настройках света растительные объекты уже не выглядят милыми цветочками. Евгению удается создать абсолютно новые образы природы, отличающиеся от привычных, и напомнить нам, что природа может быть не только дающей. Она может жестоко ответить на неуважительное и потребительское отношение к планете.

— Выставку украсят картины основоположника российской цифровой живописи Худякова. Особенность его стиля — причудливое взаимодействие «реального» и «виртуального». Как соотносятся данные категории в цифровом искусстве?

— Это определить очень сложно. Искусство не математика, здесь не существует жестких границ и точного процентного соотношения составляющих. До появления цифры художники существовали в поле своего воображения и воплощали собственные идеи традиционным способом с помощью красок на холстах и бумаге или в скульптурных формах. Виртуальный мир, по сути, визуализация воображения, где автор выстраивает некую реальность в силу своего таланта, интеллекта, жизненного опыта.

Видение Константина Васильевича, на мой взгляд, изначально созвучно языку цифрового искусства. Он ощущает цифровую графику как медиа, наиболее подходящее для задач, которые он ставит перед собой в творчестве. А дальше происходит сам акт творчества, описать который невозможно. У каждого художника свой рецепт, и я не думаю, что художники задумываются над тем, как они это делают. Они мешают абстрактное с реальным, так же как краски на палитре. Чем точнее соотношение, тем талантливее работа. То, что можно сказать абсолютно точно — технология расширяет палитру средств самовыражения художника.

— В серии работ «Отраженная реальность» Марков исследует грань между фотографией и абстрактной живописью.

— В «Отраженной реальности» художник размышляет о том, что в мире нет ничего статичного, все образы и явления трансформируются и изменяются. Серия наглядно показывает идею трансформации: есть материальный мир и есть объекты, через которые он преображается. Зеркальные поверхности — это то, что нас окружает, и мир в них становится абсолютно другим.

— Петунин в «Гравитационном линзировании» творчески переосмысливает исследования ученых-физиков. Каким образом?

— Серия работ «Гравитационное линзирование» вдохновлена красотой искривлений лучей света вблизи массивных космических объектов. Это удивительное явление, создающее эффект огромной космической линзы, которая потрясающе красивым образом преломляет далекие галактики, созвездия и туманности. Удаленные на тысячи и миллионы световых лет астрономические объекты предстают перед нами в искаженном виде, потому что свет движется по огибающей траектории из-за гравитации массивных тел, находящихся между объектом и наблюдателем.

Современные научные исследования говорят о том, что пространство и материя во Вселенной неоднородны. Также сейчас популярна теория о нелинейности времени и его индивидуальном восприятии (иногда время течет быстрее, иногда замедляется). На мой взгляд, автор нашел оригинальный способ рассказать о физическом явлении, сочетая векторную и 3D-графику.

«Используя саморезы, Марат Наби как бы закрепил в истории момент пандемии, которая не только сказалась на здоровье и психологическом состоянии людей, но и дала толчок развитию новых технологий»

«Используя саморезы, он как бы закрепил в истории момент пандемии»

— Изюминка экспозиции — мозаика Марата Наби «Короноборцы». Благодаря ей мы еще раз оценим каторжный труд медиков в «красных зонах». Картина выполнена в технике screw art, значит, автор использовал подручные материалы?

— Наби — уникальный художник, часто использующий в своих работах строительные материалы: кирпич, фанеру, гайки, шурупы, саморезы… «Короноборцы» — портреты врачей, работающих круглосуточно в сложных условиях. Рубцы от масок на их лицах Марат интерпретирует как следы самолетов, разносящих инфекцию по всему миру. Используя саморезы, он как бы закрепил в истории момент пандемии, которая не только сказалась на здоровье и психологическом состоянии людей, но и дала толчок развитию новых технологий, в частности цифрового искусства, так как в виртуальной реальности границы практически отсутствуют в отличие от реального мира.

Техника screw art, в которой выполнена работа, — рельеф из саморезов, дополненный объемной живописной моделировкой, — включает наследие большого промежутка времени с точки зрения истории искусства. Отправная точка — это эллинистический рельеф. Известно, что скульптурные группы греческих храмов, которые дошли до нас ахроматичными (белыми), имели колористическое решение. С этой точки зрения работа Марата унаследовала черты греческой скульптуры, также в ней есть и черты и постмодерна. В Германии в 1960-е годы жил и работал художник-постмодернист Гюнтер Юккер. Он создавал рельефы на фанере при помощи гвоздей, но его работы носили более абстрактный характер.

— Наби не первый художник, обратившийся в творчестве к «ковидным» образам. Можно ли говорить о благотворном влиянии пандемии на искусство? Она подарила авторам актуальную тему…

— Мы живем в условиях пандемии, несмотря на купирование очагов инфекции, коронавирус мутирует, а это широкое поле для размышлений и фантазии. Многие художники — пророки, и, хотя в последнее время их видения не обнадеживают, ковидная тема в искусстве — осмысление нынешнего опыта и проекция на будущее. Тема остается актуальной, безусловно. Она подхлестнула интерес художников к микробиологии и химии — это огромные пласты не только для изучения и осмысления, но и интереснейший материал с точки зрения визуальной.

— Кто-то из художников создал картину или инсталляцию специально для выставки?

— Некоторые работы зритель увидит впервые. Например, 6-частную серию «Плетения» Ильи Сипягина, созданную при участии искусственного интеллекта, или творения Антона Батишева, работающего в 3D-графике. Петунин впервые представит «Гравитационное линзирование».

«Изначально мы хотели приблизить мир цифрового искусства к реальности через его внедрение в интерьер, поэтому работы считываются на первоначальном уровне восприятия, как эстетически привлекательные для глаза объекты»

«На самом деле я считаю себя прежде всего художником»

— Вы действующий дизайнер и архитектор, но на выставке выступаете куратором. Почему решили сменить амплуа?

— На самом деле я считаю себя прежде всего художником. Архитектор, дизайнер, куратор — это стороны моей деятельности, которые формируют меня как личность и профессионала. В случае с кураторством мне интересно работать с полем абстрактных идей, объединять художников с неожиданным взглядом на вещи, говорить со зрителем о темах, которые кажутся мне актуальными. Мне нравится то, что приходится много общаться, сталкиваться с интересными и неординарными людьми. В процессе запуска проекта часто происходят занимательные диалоги, которые наталкивают на новые идеи. И когда выставка уже идет, она обрастает дополнительными смыслами и преображается, как будто это живой развивающийся организм.

— Увидим ли мы на выставке ваши произведения?

— Да, Shiva Space Technology. Эта работа о том, что человек является связующим звеном между миром идей и миром технологий. Сегодня мы должны серьезно подумать, как дальше взаимодействовать с реальностью, которую породил наш интеллект и которая в нас, возможно, не нуждается. Очевидно, что воздействие человека на окружающий мир пагубное, а идея антропоцентризма уже неактуальна. Помогут ли технологии исправить ситуацию или возьмут над нами верх — об этом я размышляю в своей картине.

— Выставки современного искусства часто предлагают зрителю нетипичные решения, сложные концепты. Неподготовленный человек сможет по достоинству оценить экспозицию?

— Изначально мы хотели приблизить мир цифрового искусства к реальности через его внедрение в интерьер, поэтому работы считываются на первоначальном уровне восприятия, как эстетически привлекательные для глаза объекты. Стоит ли проходить дальнейшие уровни и постигать смыслы, человек выбирает сам. Я бы сказала, что хорошая выставка современного искусства — это такой психологически-смысловой квест, от которого получаешь интеллектуальное удовольствие.

Волна критического отношения к современному искусству уже сходит и не мешает зрителю погрузиться в смысл картины. Можно задать вопрос медиатору или прочесть аннотацию, но большинство людей в состоянии самостоятельно читать искусство, а у галереи «БИЗОN», на мой взгляд, уже подготовленная аудитория.

«Задача искусства любой эпохи и страны — в осмыслении и переработке впечатлений, в движении к осознанию жизненных процессов, ведь их непонимание означает путь в никуда»

— Как в целом развивается современное искусство в России?

— Среди актуальных трендов я бы вновь выделила цифровое искусство. Технологии прочно внедрились в нашу жизнь, уже невозможно представить, что эпоха цифры закончится и мы вернемся к аналоговым историям. Художники вынуждены искать более яркие способы донесения информации, усложнять систему выразительных средств. Все современные авторы — философы с собственной концепцией мира, в которой процесс рефлексии играет ведущую роль (в частности, российское цифровое искусство замешано на концепте, а не на яркой эстетической составляющей). Задача искусства любой эпохи и страны — в осмыслении и переработке впечатлений, в движении к осознанию жизненных процессов, ведь их непонимание означает путь в никуда.

— Кто из художников сегодня особенно влияет на развитие искусства? Кто ваши любимые мастера?

— Думаю, стоит упомянуть не только ныне живущих авторов. Мои источники вдохновения — Энди Уорхол, популяризировавший искусство через медийные образы, Жан-Мишель Баския, весь русский авангард, давший толчок к развитию современного дизайна и архитектуры. Из действующих мастеров выделю концептуального скульптора Энтони Гормли, исследующего взаимодействие внешнего и внутреннего пространства. Очень люблю Маурицио Каттелана, работающего с восковыми фигурами. Он доносит до зрителя серьезные идеи с довольно тонким юмором.