СЕРИАЛ ГОДА

«Новый папа» (Италия, Франция, Испания, США, Великобритания)

Завсегдатай крупных международных фестивалей, признанный одним из лучших современных режиссеров европейского кино и названный последователем гения Федерико Феллини Паоло Соррентино (автор культовых произведений «Великая красота» и «Молодость») в начале этого года представил на суд зрителей второй сезон сериала «Молодой папа»  — «Новый папа» и вновь взорвал зрительские рейтинги.

Меняется папа: вместо Пия XIII в блестящем исполнении всеобщего любимчика Джуда Лоу — с нами практически весь сезон Джон Малкович в образе Иоанна Павла III. Но это не меняет общей концепции сериала и его высказывания. Режиссер продолжает без очевидных претензий поднимать на суд зрителя все новые проблемы современного Ватикана, делая их во втором сезоне вычурнее, острее и кровопролитнее, при этом оставляя повествование очень размеренным и созерцательным. О разных отклонениях от нормы режиссер говорит без упора на эпатаж, не пытаясь удивить и шокировать.

Что мне особенно импонирует, так это то, что Соррентино умеет трансформировать свою личную режиссерскую киноэстетику, неповторимый киноязык в формат сериала. Он непредумышленно заразился модной сегодня сериальной лихорадкой и, на мой взгляд, выглядит в этом направлении почти так же уверенно, как в своих эпических полнометражных полотнах. Более того, «Новый папа» стал очередным доказательством того, что режиссерский авторский сериал всегда мощнее по смыслам и эффектнее визуально, чем заведомо коммерческий, заказной продукт какой-нибудь известной студии или платформы. Именно поэтому «Новый папа» — лучший сериал года! А не другие, слишком уж понятные, простые и конъюнктурные истории.

18+

ЛУЧШЕЕ ДЕТСКОЕ КИНО

«Пиноккио» (Италия, Франция, Великобритания)

Знаменитая сказка Карло Коллоди «Приключения Пиноккио. История деревянной куклы» вернулась в этом году в кино. И версию Маттео Гарроне («Таксидермист», «Гоморра», «Догмэн») можно назвать наиболее близкой к литературной основе о приключениях деревянного мальчика. Работая во время создания предыдущих картин в основном с оригинальными сценариями, Гарроне и на этот раз крайне точно воспроизвел на экране героев Коллоди. Тем более что экранизировать именно эту сказку было личной, детской мечтой режиссера.

В 2015 году Гарроне снял первый англоязычный проект — жутковатое фэнтези «Страшные сказки». Возвращаясь к корням, режиссер использует мрачный гротеск «Сказок», сочетая их с классической итальянской историей родом из Флоренции. Готические фантазии итальянца сплетаются со светлыми пейзажами и просторами Италии 1930-х. Сказочное род-муви «Пиноккио» предлагает зрителям побывать в самых невероятных местах в какой-то совершенно другой, параллельной Италии. Фактурные городки, просторные поля, дома — все это очень любопытно и завораживающе. Но все-таки с первых кадров в глаза бросается упадничество и нищета данного мира. И, как ни странно, они оказываются очень привлекательными и по-своему красивыми.

Отдельного упоминания заслуживает двукратный лауреат «Оскара», художник по гриму Марк Кулир. Он так «одеревянил» всех кукол, не забыв про патину времени на каждом отдельно взятом лице, что их хочется потрогать. Настолько натурально они выглядят! Музыка также заслуживает особого внимания. Дарио Марианелли превратил звуки из шарманки в дорожную симфонию и в сочетании с общей концепцией Гарроне еще больше оживил атмосферу фильма. Очевидно, что визуальная сторона волнует режиссера не менее содержательной, и эстетика манящего завораживающего ужаса становится особенно близка сказке «Пиноккио» именно в интерпретации Гарроне. А ведь это привлекает современную аудиторию 6+.

Безусловно, режиссеру удалось очень точно и красиво перенести на экраны стиль театральной буффонады конца XIX века. Прекрасный вариант детской сказки на новый лад: подробный, атмосферный и мистический. Без искусственных животных и карикатурных персонажей, которых так много в однотипных аляпистых детских картинах последних лет.

6+

ПРОРЫВ ГОДА

«Довод» (Великобритания, США)

«Довод» — принципиальная позиция Кристофера Нолана в желании вернуть зрителя в кинотеатры после пандемии. Но… Долгожданному блокбастеру режиссера фильмов «Начало», «Помни» и трилогии «Темный рыцарь» пророчили невероятный коммерческий и зрительский успех после пандемии во всех кинотеатрах мира. Пророчества не совсем оправдались. «Довод» хоть и стал первым большим кинотеатральным релизом после мирового локдауна и флагманом проката после всеобщего карантина, но по сборам не взял высокую планку. А что удивительного? Несмотря на всю таинственность и хайп, окружавший фильм, на самом деле ничего сверхъестественного в нем нет. Да, сюжет развивается нелинейно (впрочем, как всегда, у Нолана) и идея с инверсией времени способна запутать некоторых зрителей, но фильм не пытается казаться высокоинтеллектуальным кино и открывать зрителям нечто новое и невероятное. Из всех нолановских работ он больше всего напоминает не его последние — «Дюнкерк» и «Интерстеллар», а «Помни» и в большей степени «Начало».

Увы, это всего лишь такой же концептуальный блокбастер с очень оригинальной центральной идеей. Мегазрелищный, впечатляющий в первую очередь масштабностью, проработанностью экшен-сцен, грамотным использованием графики и хорошими актерскими работами (Джон Дэвид Вашингтон, Роберт Паттинсон, Кеннет Брана и др.). А это именно то, что было необходимо зрителям после длительного перерыва. При возможности продать проект на любую платформу Нолан терпеливо дождался возобновления работы кинотеатров и порадовал зрителей яркой премьерой в этом году. За это ему спасибо.

16+

РАЗОЧАРОВАНИЕ ГОДА

«Ведьмы» (США, Мексика, Великобритания)

В 1989 году вышла отличная экранизация романа Роальда Даля «Ведьмы» Николаса Роуга с главной злодейкой в исполнении Анжелики Хьюстон. В этом году за приключенческую историю взялся маститый Роберт Земекис («Форрест Гамп», трилогия «Назад в будущее» и др.), который пригласил на роль верховной ведьмы Энн Хэтэуэй, компанию которой составили Октавия Спенсер и Стэнли Туччи.

Однако уже первые отзывы критиков в пух и прах разгромили ремейк. «Фильм определенно предназначен для детей, которым наплевать на плохую компьютерную графику», «Постоянные колебания в настроении не помогают проекту», «Трудно сказать, хочет ли фильм, чтобы вы смеялись над ним или притворились испуганными» — подобные высказывания повсеместно встречались в западной и отечественной прессе. Магия первоисточника напрочь отсутствует, зато стандартно присутствуют маркеры нового американского кино XXI века: чернокожие и феминистки. Пестро, пафосно и дорого. Но, увы, бессмысленно. Удивительно, как при таких бюджетах, актерском составе, хорошей литературной основе у Земекиса получилось снять настолько некачественный продукт. Фильм по праву может считаться, на мой взгляд, худшим и в этом году, и в карьере режиссера.

12+

 ЭКСПЕРИМЕНТ ГОДА

«Человеческий голос» (Испания)

Грандиозный режиссер Педро Альмодовар долгие годы мечтал что-нибудь сделать с пьесой Жана Кокто: цитировал ее, заимствовал цитаты и сцены. И, наконец, у зрителей появилась возможность увидеть то, что мастер долгие годы перерабатывал, адаптировал, осовременивал и чему придавал исключительно собственное видение и знакомые черты. С ним очень давно хотела поработать Тильда Суинтон, и «Человеческий голос» объединил всех троих: драматурга, режиссера и актрису. Кстати, это первый англоязычный проект испанского мэтра и первый его монофильм с единственным персонажем в кадре. И также впервые Альмодовар не принуждал себя к прокатному формату — от полутора до двух часов — и ограничился получасом. Но настолько насыщенным содержательно и визуально, что сложно назвать «Человеческий голос» банальной короткометражкой.

На производство картины заметно повлияла ситуация с эпидемией COVID-19, но, что важнее, история вынужденного одиночества рассказана Альмодоваром с намеренным пассажем в сторону всемирного карантина. Привычная для режиссера рефлексия о женском помешательстве на почве острого духовного одиночества на этот раз буквально вдохновлена его размышлениями о тотальном разобщении людей, запертых в собственных квартирах. Чем дороже убранство квартиры, чем больше в ней предметов уникальных брендов, тем меньше воздуха для человека, живущего в ней, мечтающего только о том, чтобы из всех голосов расслышать самый важный.

«Человеческий голос» — это 30 минут красоты, вычурности и «альмодоварности» в лучшем виде! Блаженство для глаз и ушей, абсолютное эстетство и история, которая поглощает зрителей полностью. Каждый становится участником игры, где есть только человек и телефон. Альмодовар всегда был сентиментальным и в «Человеческом голосе» он вновь верен себе. Неутоленная жажда любви, горькое чувство внезапного одиночества, груз возраста, надежда, великодушие, эмпатия — это та атмосфера, которую транслирует этот поистине прекрасный фильм.

16+

ОПЕРАТОР ГОДА

«Тайная жизнь» (США, Великобритания, Германия), Йорг Видмер

Последние несколько лет один из главных режиссеров-визионеров конца XX – начала XXI веков Терренс Малик («Дни жатвы», «Тонкая красная линия», «Древо жизни», «Рыцарь кубков» и др.) снимал очень живописное, но практически бессюжетное кино. Но в своем новом фильме он возвращается к более привычной для зрителя форме повествования. Вероятно, потому, что оно имеет в своей основе реальные события. В зрелищном плане философская поэма «Тайная жизнь» покоряет новую вершину визуального мастерства, хотя казалось, что после «Древа жизни» это сделать очень сложно. Но все случилось благодаря оператору Йоргу Видмеру, работавшему ранее с живым классиком немецкого кино Вимом Вендерсом («Клуб Буена Виста», «Пина: Танец страсти»), который становится полноправным соавтором Малика в «Тайной жизни». С ним режиссер работает впервые после долгого «романа» с Эммануэлем Любецки.

Это фильм, где, кроме людей, главную роль играет вновь воскресшая перед камерой Видмера пастораль. Австрийские пейзажи пьянят своей естественной красотой, а от полетов камеры действительно кружится голова. Картина снята при помощи широкоугольного объектива, а бо́льшую часть фильма оператор работает без штатива: камера летает, танцует, выхватывая в нужные моменты потрясающие крупные планы. Роскошные альпийские виды чередуются с тесными камерами и коридорами, где Видмер использует схожие приемы — диагонали и вид снизу, что безупречно работает на замысел фильма. Оператор находит поразительные ракурсы, погружая нас в мир «Тайной жизни» и в нем растворяя.

В отличие от оператора Роджера Дикинса, который оказался сильнее как автор и полностью подчинил себе режиссера Сэма Мендеса в фильме «1917», Видмер работает с Маликом на общую идею очень талантливо и изящно. Поистине великолепный мастерский тандем смог способствовать созданию роскошной ленты.

16+

АКТЕР ГОДА

«Еще по одной» (Дания, Швеция, Нидерланды), Мадс Миккельсен

Алкогольная трагикомедия «Еще по одной», написанная и поставленной датским киноклассиком Томасом Винтербергом, изящно балансирует между дерзостью и анархизмом его культового «Торжества» и лаконичной тоской «Охоты». И наблюдать в нем за воссоединением Винтерберга с актером  Мадсом Миккельсеном, которые снова творят на одной волне безумия и мастерства, без упоения невозможно. Миккельсен играет за пределами традиционного драматического искусства и на абсолютно новом, неведомом уровне актерства. Его состояния сменяются с той же быстротой, естественностью и непредсказуемостью, как солнце в кадрах этого фильма. Он виртуозно передает и глубокое уныние, и безудержное веселье — и все это с одинаковым профессионализмом и безупречной достоверностью. Согласна с критиками, которые утверждали, что великолепный Миккельсен при благоприятном стечении обстоятельств мог всерьез рассчитывать на свой второй приз в Каннах за лучшую мужскую роль. А темпераментный танец актера в финале, уверена, станет впоследствии классической сценой мирового кинематографа.

18+

АКТРИСА ГОДА

«Правда» (Франция, Япония, Швейцария), Катрин Денев

Признанный киномастер Хирокадзу Корээда («Сын в отца», «Дневник Умимати», «Чудо» и др.) в своей новой работе «Правда», ставшей первым международным фильмом японского режиссера с европейскими актерами, вновь обращается к исследованию привычной для его творчества темы отношений разных поколений. И, как бы странно это ни звучало, именно у него восхитительная Катрин Денев играет одну из лучших, самых откровенных, неожиданных и сложных ролей в своей карьере. Она выходит за грани своих привычных амплуа холодных, отстраненных и величественных дам. Ее существование в кадре одинаково проникновенно от первой и до последней минуты. Актриса делает все, чтобы представить свою героиню максимально земной и естественной, без лишнего романтизма и ореола пресловутой загадочности. Она ходит в китчевом леопардовом манто, не скрывает ни подтяжек, ни дефектов фигуры, постоянно и с аппетитом курит и пьет. Она может быть смешной и нелепой, но всегда выглядит с неизменным достоинством.

В своей ленте Корээда восхищается личностью и игрой Денев. Ее героиня, стареющая кинозвезда Фабьенн Данжевилль (сперва она кажется карикатурой на саму Денев), собирается выпустить биографическую книгу «Правда». Таким образом, фильм оперирует артистическим мифом, связанным с личностью и биографией̆ самой̆ француженки. Легендарная актриса спустя все взлеты и падения в карьере настолько самоуверенна и профессиональна, что не боится транслировать правду о себе через призму своего персонажа. Поистине это высочайший пилотаж и особая степень откровения.

18+

СЦЕНАРИЙ ГОДА

«Никогда, редко, иногда, всегда» (США, Великобритания), Элиза Хиттман

Эта американская инди-картина Элизы Хиттман («Похоже на любовь», «Пляжные крысы») — один из важнейших фильмов Sundance и Берлинале-2020 (на обоих смотрах картина получила Гран-при). «Никогда, редко, иногда, всегда» — очень трепетная, словно документальная история о жизни и смерти, о стремлении самостоятельно принимать решения и нести за них ответственность. Режиссер и сценарист фильма Хиттман рассказывает нам даже не о тяготах аборта, а о том, каково быть взрослым человеком в современном, отчужденном и нервном мире.

Через одну жизненную ситуацию она пытается показать, каково это — быть подростком в современной Америке. Но сам фильм ни в коем случае не агитационное видео, скорее еще одно рассуждение на тему выбора: оставить ребенка или нет, бежать в большой город или продолжать справляться со всем по-тихому. Какой выбор правильный, режиссер не знает или нарочно не говорит, лишний раз обращая внимание на то, что в одной и той же ситуации можно быть и победителем, и проигравшим. Хиттман отказывается играть по законам современного конъюнктурного реализма в кино и создает в «Никогда, редко, иногда, всегда» свои правила, собственную тихую и утонченную драматургию.

16+

РЕЖИССЕР ГОДА

«Женщина, которая убежала» (Южная Корея), Хон Сан-су

Фильмография фестивального любимца Хон Сан-су по-хорошему однотипна («День, когда он пришел», «Прямо сейчас, а не после», «На следующий день» и др.). Все его герои, как правило, — представители южнокорейской интеллигенции (поэты, режиссеры, актеры). И в каждой картине постановщика мы медленно и загипнотизированно наблюдаем за тем, как рушатся их судьбы. Мимолетные зарисовки из повседневности, бессодержательные, казалось бы, диалоги и спокойный темп — это и есть истинная экранная поэзия Хон Сан-су. В таком же стиле и его новый фильм «Женщина, которая убежала». Этот тихий, маленький и малобюджетный фильм критики уже называют одним из самых гармоничных и безупречных в его карьере. А «Серебряный медведь» за лучшую режиссерскую работу на последнем Берлинском фестивале служит логичным подтверждением такого мнения.

«Женщина, которая убежала» — фильм о жизни во всех ее проявлениях. Сквозь обыденные разговоры и жизненные ситуации проступают противоречия, подстерегающие нас на каждом шагу и понятные каждому зрителю. Простота здесь господствует во всем — в образах героев, визуальных решениях, диалогах. Но именно эта выверенная лаконичность в работах корейского режиссера оказывается сильнейшим выразительным средством. Данная картина рождает в плане ощущений и послевкусия гораздо больше, чем ожидаешь. Она подталкивает к рассуждениям и иногда даже к неожиданным выводам. Наверное, за этот прекрасный «побочный эффект» от просмотра кинофильма Хон Сан-су я и называю его режиссером года.

16+

ФИЛЬМ ГОДА

«Ундина» (Германия, Франция)

Режиссер Кристиан Петцольд — главное лицо так называемой берлинской школы — эстетического движения, возникшего в конце 90-х вокруг киножурнала Revolver. Его нежные и несчастные герои всегда существуют на фоне личной или глобальной катастрофы («Внутреняя безопасность», «Барбара», «Феникс») и его новый фильм вновь снят в рамках этой сюжетной концепции.

«Ундина» — классический сюжет эпохи романтизма и любовное признание Берлину XXI века. Лента отражает тему сопоставления современности и прошлого. Киноработа Петцольда получилась простой и неприхотливой, но в этом есть абсолютное изящество формы и содержания. Да, она не особо удивляет сюжетными поворотами, зато точно может приятно порадовать актерскими работами восхитительного и, я бы даже сказала, выдающегося дуэта Паулы Бер и Франца Роговского. А также невероятной картинкой, в которой Берлин кажется бесконечно живым со всеми его наземными линиями метро, случайными встречами и человеческими несовпадениями.

«Ундина» получилась очень немецким (вплоть до цветовой коррекции) фильмом о романе между двумя людьми и о романе с городом. И оба эти романа грустные. Кроме того, в отличие от навязчивых по тематике кинофильмов, созданных с прицелом на фестивальные призы (как, например, «Последняя корова» Келли Райхардта или «Земля кочевников» Хлои Чжао), фильм Петцольда отличается своей авторской самобытностью и антиконъюнктурностью. Здесь присутствует настоящая магия кино, поэзия киноискусства, которую так редко встретишь сегодня и которая практически исчезла из кинематографа, заменившись на громкие политические или социальные высказывания.

И если в свое время вторичную и посредственную «Форму воды» Гильермо дель Торо называли лучшим фильмом года, то, не боясь аналогий, возьму на себя смелость и сегодня назову таковым историю современной берлинской русалки.

16+